Zapiano harmonielehre: klavier unterrichten



Zapiano lehrt Klavierschüler eine Vielzahl von Methoden, um ihre akustischen Fähigkeiten zu verbessern. Studenten können ihre eigene Musik für Unterricht kaufen oder sie über das Unternehmen kaufen. Wenn Eltern oder Großeltern es sich nicht leisten können, es für ihr Kind zu kaufen, können sie es für sie kaufen.

Nicht-diasonische Harmonie

Im Klavierunterricht ist die nicht-diaonische Harmonie die Hinzufügung von Notizen, die nicht in derselben Master-Skala wie das Song gespielt werden. Diese Akkorde sind in Jazz und anderen Formen moderner Musik üblich. Zum Beispiel enthält der BB7 -Akkord eine Notiz, die nicht in die AB -Dur -Skala gehört. Infolgedessen ist die nicht-diatonische Harmonie normalerweise unvergesslich. Betrachten Sie zum Beispiel die Notiz D in jemandem zu lieben von Königin.

Wenn Sie Klavierstudenten beibringen, wie man nicht-diatonische Akkorde verwendet, sollten Sie betonen, dass die Akkorde mit einem nicht-diatonischen Wurzelnotiz gebaut werden. AMAJ hat beispielsweise eine Wurzelnote von A, aber eine übliche Notiz ist G. Sie können auch eine gemeinsame Notiz verwenden, um die offensichtlichen nicht-diatonischen Akkorde in eine Akkordentwicklung zu machen.

Diatonische Harmonie hat drei Geschmacksrichtungen: Major, Moll und Chromatin. Hauptakkorde sind in Großbuchstaben geschrieben;Kleinere Akkorde sind in Kleinbuchstaben geschrieben. Ein diatonischer Akkord ist eine umgedrehte Version des ersten. In dieser Version bleibt der Tonic -Akkord gleich, aber der Subdominant wird zum zweiten Akkord. Subtonic ist ein Verwandter des Tonikums.

Klavierlehrer können nicht nur über diatonische Harmonie erfahren, sondern auch nicht-diagonische Akkorde verwenden, um das Songwriting zu verbessern. Sie können Songs Abwechslung verleihen und sogar die Struktur des Songs auflösen. Gary Rossington bietet eine Reihe von fünf Songwriting-E-Books an, die alle nicht-diasonische Harmonie für den Klavierunterricht beinhalten. Es ist also wichtig, die Grundlagen des Klavierspiels zu kennen.

Vierteilige Harmonie ist trotz seiner Komplexität ein häufiger Stil für Pianisten. Die Notizen in einem vierteiligen Akkord sind leichter zu lesen als zweiteilige Harmonie. Anfänger müssen nicht die gesamte Musiktheorie verstehen, aber sie müssen in der Lage sein, eine Melodie zu erkennen. Im amerikanischen Songbook ist der C -Major -Akkord der dominierende V7, während FM7 und DBM7 vom parallelen Moll des Schlüssels von AB stammen.

Während wichtige Akkorde häufiger in Haupttasten verwendet werden, werden kleinere Akkorde in kleineren Schlüssel verwendet. In den wichtigsten Schlüssel sind die Hauptakkorde die I, IV und V. Manchmal klingen kleinere Akkorde gut, während andere zusammenbrechen. Um einen besseren Eindruck davon zu bekommen, welche Akkorde mit der Melodie -Linie besser klingen, versuchen Sie, Noten sowohl aus der oben genannten als auch unter der Melodielinie zu singen. Sobald Sie die Funktionen jedes Akkords verstanden haben, können Sie bessere Musik komponieren.
Dur- und Nebenakkorde

Es gibt drei Arten von Klavierakkorden: Major, Moll und 7.. Jedes von diesen hat seinen eigenen Namen und ihre eigene Verwendung. Majorakkorde haben, wie ihr Name schon sagt, einen großen Drittel, während kleinere Akkorde einen kleinen Drittel haben. Jede Art von Klavierkord hat seine eigenen Grundregeln. Hier sind ein paar:

Erstens sind Major- und Nebenakkorde die Grundlage der meisten westlichen Musik. Dur- und Nebenakkorde bestehen aus Haupt- und Kleinigkeiten, wobei der wichtigste Schlüssel am prominentesten ist. Während diese beiden Arten von Klavierakkordern ähnliche Notizen teilen, haben sie unterschiedliche Bedeutungen. Bei großen Akkorden klingt die Musik optimistisch, stark und glücklich. Das Gegenteil gilt für kleinere Akkorde, die traurig und traurig klingen.

Eine weitere Unterscheidung zwischen Haupt- und Nebenakkordern ist die Wurzelnote. Ein Hauptakkord enthält die 1., dritte und fünfte Noten der Dur -Skala, während ein kleiner Akkord die gleichen Noten hat, der dritte jedoch abgeflacht ist. Der Hauptakkord klingt lauter als der Minderjährige, was bedeutet, dass es milder klingt. Diese Unterscheidung ist wichtig, da sie den Gesamtklang eines Stücks beeinflusst. Der Schlüssel eines Songs kann durch seinen Schlüssel und die Art und Weise bestimmt werden, wie es konstruiert wird.

Die Verwendung der Skala zur Bestimmung von Klavierakkordern ist einfach, wenn Sie die Drei-Noten-Intervalle jedes Schlüssels kennen. Wenn Sie die dritte Note in einem Song kennen, können Sie feststellen, ob der Akkord wichtig oder geringfügig ist. Egal, ob es sich um einen Haupt- oder Kleinkord handelt, konzentrieren Sie sich auf die dritte Note, da Sie dies helfen können, die Stimmung zu bestimmen. Ein großer Akkord ist beispielsweise C -Dur, während ein kleiner Akkord ein Moll ist.

Während es more info drei Grundakkorde gibt, ist der siebte der komplexeste und schwierigste. Es besteht aus drei dritten Intervallen anstelle von nur zwei. Im Gegensatz zur grundlegenden Drei-Noten-Triade ist der siebte Akkord dissonant. Zum Beispiel hat ein C-Dur-Akkord Notizen C, E und G, während der A-D-Major-Akkord einen C-Major-Wurzelnotiz und zwei Konsonantennoten hat.
Harmonien unterhalb der Melodielinie bauen

Beim Unterrichten von Klavier besteht eine der Best Practices darin, Harmonien unterhalb der Melodielinie zu bauen, eine Technik, die von vielen professionellen Musikern verwendet wird. Die höchste Note in einem Musikstück ist für einen Hörer am auffälligsten. Sie möchten also Ihre Harmonien unter der Melodie -Linie bauen. Aber Sie müssen nicht jede Note harmonisieren! Sie können Akkordinversionen verwenden, um Harmonien auf der Melodielinie zu erstellen.

Kontrastier zwei Stimmen bedeutet, einen Kontrapunkt zu erstellen. Kontrastbewegung bezieht sich auf die beiden Stimmen, die sich in entgegengesetzte Richtungen bewegen. Sie möchten auch eine blockige Stimmung vermeiden und eine Kombination von Bewegungen in Ihren Harmonie -Linien verwenden. Dies ist ein wesentlicher Bestandteil der musikalischen Komposition, und ein Anfänger kann mit dem Aufbau von Harmonien beginnen, indem sie Songs analysieren, die sie mögen und mehrere Melodien zusammenweben. Dies wird ihnen das Verständnis dafür geben, wie Harmonie funktioniert.

Beim Unterrichten von Klavier erfordert der Aufbau von Harmonien unterhalb der Melodie eine grundlegende Verständnis der Musiktheorie. Es ist ein grundlegendes Konzept der Musikkomposition, und das Lernen, Harmonien aufzubauen, ist entscheidend, um effektive Klavierstücke zu komponieren. Sie können virtuelle Lektionen über FaceTime und Skype verwenden. Wenn Sie virtuelle Lektionen nehmen, können Sie auch die Fähigkeiten eines professionellen Klavierlehrers bequem von zu Hause aus lernen.

Während es wahr ist, dass eine perfekte fünfte Harmonie am besten klingt, ist sie unglaublich langweilig. Die Melodie sollte eine Notiz halten, bis sie mit einem Akkordton zusammenstößt, was bedeutet, dass sie nicht harmonisiert ist. Schließlich wirst du den Dreh raus haben! Wie können Sie also Harmonien unter der Melodie -Linie bauen? Hier sind einige Tipps:

Zunächst müssen Sie feststellen, welche Notizen zu welchem Akkord gehören. Mit den wichtigsten Signaturen und römischen Ziffern finden Sie den stabilsten und leistungsstärksten Akkordton. Bauen Sie dann eine Melodielinie über dem Akkord. Dies ist die Grundlage des Kontrapunkts. Während die meisten beliebten Songs keinen anspruchsvollen Kontrapunkt haben, bleibt das Prinzip der Harmonie gleich. Der einzige Unterschied ist die Art und Weise, wie die Melodienlinien erzeugt werden.
Kostenlose Organumtechnik

In der klassischen Musik ist das Organum eine Technik, die den Kontrapunkt zwischen zwei Stimmen betont. Die frühesten Beispiele dieser Technik finden Sie in den 1020er Jahren. Es enthält eine parallele und schräge Bewegung und verwendet Kontrapunkt für musikalische Linien. Die freie Organumtechnik war ein Vorläufer für kontrapunktische Techniken. In dieser Technik lernen die Schüler, eine Note der Orgelstimme gegen eine der Tenorstimmen zu spielen.

Das Pariser Organum ist eine Kompositionsstil, die im Gregorianischen Gesang verwurzelt ist, einer alten Form des Gesangs. Der Pariser Stil entwickelte sich aus dieser Praxis und ist seitdem beliebt. Sein Einfluss zeigt sich besonders in den mit der Notre-Dame-Schule in Paris verbundenen Kompositionen. Die Pariser Schule veranstaltete Komponisten wie Leonin und Perotin, die viele neue Kompositionstechniken entwickelten und den Stil des Organums beeinflussten.

Eine traditionelle Version von Organum besteht aus zwei Stimmenlinien in verschiedenen heterophonischen Texturen. Die untere Stimme singt eine Melodie, während sich die obere Organumstimme in ausgedehnten Melismen über lange, langwierige Vokale bewegt. Das lateinische Wort Tenor bedeutet zu halten.


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